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martes, 25 de diciembre de 2012

ARTE BRITÁNICO EN MADRID


My First Sermon, J. E. Millais
Durante los pocos días que me he paseado por Madrid, aparte de disfrutar del centro de la ciudad, del bullicio de sus gentes y visitantes, del estrés prenavideño, de las músicas, la variedad de rostros y ropajes, del frío bañado de sol y de las múltiples manifestaciones por una enseñanza y una sanidad públicas...


He podido ver unas cuantas exposiciones interesantes y que quiero promocionar para que quienes estén en la capital de España por estas fechas sepan de su existencia y puedan acudir a ellas.

Traje al blog fotos de la dedicada por la Fundación MAPFRE a Jean Paul GAULTIER hasta el día de Reyes de 2013 y hoy voy a destacar otra igualmente recomendable.


Su título es un homenaje a uno de los autores literarios británicos más conocidos: R. L. Stevenson:


Su subtítulo explicita más sobre qué trata:

ARTE BRITÁNICO.

Se puede ver en la Fundación Juan March, en la calle Castelló, nº 77 de Madrid.

Hasta el 20 de enero de 2013, de lunes a sabado en horario de 11:00 de la mañana a 20:00 de la tarde y el domingo y festivos de 10:00 a 14:00 de la mañana. 


Con esta exposición descubriremos unas islas, las que conforman Gran Bretaña, que contienen un tesoro artístico no suficientemente valorado en el continente europeo.

A modo de cronología artística, la exposición muestra cinco siglos de Arte Británico.

En ella encontraremos artistas muy conocidos, pero también nos toparemos con otros de los que nunca vimos sus nombres en los libros de Arte que estudiamos en Bachillerato.

Está Turner, pero un Turner reducido, lejano de sus grandes cuadros nebulosos tan personales, y está Holbein, por supuesto, y Constable, toda una época, y los Prerrafaelistas... pero también están:

Jodocus Hondius, Jan Siberechts, John Vanderbank con sus ilustraciones para una de las traducciones de "Don Quijote", los caballos de George Stubbs, John Singer Sargent como uno de los artistas que lleva el Impresionismo a las islas... 


Organizada en 7 espacios, avanzaremos desde el primero al séptimo bajo estos títulos:




Proserpine by D. G. Rossetti
1.-DESTRUCCIÓN Y REFORMA (1520-1620).


2.-LA REVOLUCIÓN Y EL BARROCO (1620-1720).

3.-SOCIEDAD Y SÁTIRA (1720-1760).

4.-PAISAJES DE LA MENTE (1760-1850).

5.-REALISMO Y REACCIÓN (1850-1900).

6.-MODERNIDAD Y TRADICIÓN (1900-1940).

7.-UN MUNDO FELIZ (1945-1980).

   
Os animo, si vais a pasar este fin de semana por Madrid, o en las próximas fechas (hasta el próximo 20 de enero) para que ganéis un par de horas deleitándoos con las obras que se exponen.

Muy recomendable el catálogo que han publicado, también en ebook, con el título: La isla del tesoro. Arte británico de Holbein a Hockney. ISBN: 978-84-7075-602-3.

Si la falta de paga navideña no hace posible su adquisición, no dejéis de coger el catálogo-guía de 41 páginas que ponen a vuestra disposición a la entrada de la Fundación March. Os va a gustar porque es muy completo, está ilustrado e informa con precisión sobre las obras que podéis ver y sus autores.





viernes, 14 de diciembre de 2012

AMANTES DE JEAN PAUL GAULTIER: CITA EN MADRID


Desde el pasado 6 de octubre y hasta el próximo 6 de enero de 2013 en la


de la FUNDACIÓN MAPFRE (dir.: Paseo de Recoletos, 23. 28004-Madrid) y con el siguiente horario: Lunes de 14:00 a 20:00 horas; martes a sábado: 10:00 a 20:00 horas y domingos y festivos: 11:00 a 19:00 horas, podéis ver la exposición:

Universo de la moda.


Un maniquí con la cara de Jean Paul Gaultier nos habla de sí mismo


LOS AMANTES DE LA MODA
Al Carrefour o de fiesta.














LOS SEGUIDORES DE JEAN PAUL GAULTIER





QUIENES SABEN DE TELAS, TEJIDOS Y CAÍDAS





AQUELLOS QUE NO DUDAN ANTE QUÉ PONERSE SEGÚN LA OCASIÓN O...


Look dominatrix


Body-corsé de lamé lucido por Kyllie Minogue

...LOS QUE NO SABEN 
DE QUÉ VESTIR 
EN EL COTILLÓN DE NOCHEVIEJA


EN DEFINITIVA...


...A TODOS LOS QUE OS GUSTE UNA BUENA EXPOSICIÓN, 


Body-corsés lucidos por Madonna


















NO OS
PERDÁIS  ESTA



A modo de pasarela



MUY BIEN MONTADA, 
SE HACE CORTA 
MERECE, DE VERDAD, 
UNA VISITA.




Como despedida os presento al osito Nana de Jean Paul Gaultier que podréis ver en la exposición y que fue su primer maniquí  con pechos cónicos.

sábado, 1 de diciembre de 2012

SIRI HUSTVEDT NOS PROPONE "EL VERANO SIN HOMBRES".


En estos días del otoño cada vez más invernal apetece refugiarse en ese sillón orejero con reposapiés que habita una esquina bien iluminada del salón de la casa.

Antes de organizar el entorno, escudriñaremos las estanterías del estudio para alcanzar ese libro aparcado desde que lo compramos en la última Feria del Libro o desde que nos lo  regalaron por nuestro cumpleaños.

Elegida la monografía, tenemos tiempo de poner el calentador azul de agua en la vitrocerámica y mientras se calienta el transparente líquido decidiremos cuál de las teteras nos acompañará el par de horas que hemos decidido dedicar a la lectura.

La que vino desde Chelsea, desde la tienda de Whittart va a tener el honor de recibir un par de cucharadas de Assam.     
Ponemos la medida justa en la tetera y, cuando el hervidor anuncia con su soplido vaporoso que el agua está a punto, la añadimos con parsimonia y cuidado.

Tapamos el brebaje y lo disponemos en la bandeja junto a la taza y un platito de “gallettes” bretonas.

Hoy no nos apetecen sándwiches de pepino, queso o jamón; bastará el dulce para acompañar este inicio de lectura.



El libro elegido es   “El verano sin hombres”    (The Summer Without Men)     de SIRI HUSTVEDT,    editado este año por la Editorial Anagrama,   con traducción de Cecilia Ceriani, quien ya puso en español, de la misma autora y para la misma editorial, "Elegía de un americano".










Hustvedt es un apellido que prefiero aprender a escribir antes de intentar siquiera pronunciar. Es el apellido de una autora estadounidense, de origen noruego, que merece un  respeto por dos razones:

  1. Una, en mi opinión extremadamente importante, haber superado a su imponente marido, el escritor Paul Auster, en claridad e interés literario.
  2. La otra, apreciar con qué delicadeza, tacto y profundidad  aborda el tema que trata esta breve pero completa narración.

A lo largo de las poco más de 200 páginas del libro, SIRI HUSTVEDT explica el choque brutal que supone para una mujer de mediana edad, Mia Fredricksen, ver cómo su marido durante casi treinta años, Boris Izcovich, la abandona de la noche a la mañana por una "pausa" francesa o, en otras palabras, una compañera del laboratorio universitario en el que trabaja.

Del socavón que se instala en el cuerpo y en el cerebro de Mia tiene que salir ella misma afrontando la realidad en un mal momento del año: el verano.

Una estación que para una profesora universitaria como Mia supone quedarse con varios meses de libertad justo cuando le acaban de tirar encima un jarro de agua fría sobre el hielo en que se ha convertido su ser.

En El verano sin hombres” la protagonista relata en primera persona, además de los sentimientos sobrevenidos tras el inesperado varapalo que le asesta su, hasta entonces, íntegro esposo, cómo consigue encontrar palabras y acciones que le ayuden a revivir y volver a sentir algo más que vacío.

Gracias al reencuentro con los espacios de su niñez y con el aliento de su anciana madre y las amigas de ésta, todas ellas residentes en un aséptico geriátrico, Mia consigue volver a una cierta normalidad cuando el verano va dando paso al otoño. Un símil poético de su edad cronológica.

Será en esa fase final de la canícula cuando se resuelva el lío que el desconcertado y desconcertante marido ha ocasionado. Conclusión que no seré yo quien revele aquí, sino que seguro que si toman el libro en su manos querrán descubrir por sí mismos.

El verano sin hombres” es un libro amable, de fácil lectura para dos o tres tardes “dejados de caer” en el sillón más cómodo de la casa. Una historia sencilla que hace reflexionar en profundidad, pero sin dureza, sobre el compromiso, la andropausia y la fuerza que una mujer despechada sabe sacar desde el infierno más inconcebible.

Una historia que sólo disgustará a quienes desprecien cumplir con las obligaciones contraídas e implicarse al máximo en  proyectos de largo recorrido.

Una historia feminista, femenina e independiente, como creo que es su autora.



domingo, 25 de noviembre de 2012

OSWALDO GUAYASAMÍN AL LADO DE LA CALETA


Un domingo de noviembre en la ciudad de Cádiz, cargado de sol y levantito agradable. Un día estupendo para acercarse paseando por el Campo del Sur al Castillo de Santa Catalina donde, desde el pasado 12 de octubre se puede ver una parte escogida y representativa de la obra del pintor ecuatoriano OSWALDO GUAYASAMÍN.


Cartel de la exposición

Hijo de un indígena de la tribu kichwa o quichua, Guayasamín nació en el 6 de julio de 1919 en Quito y falleció en Baltimore a los 79 años.

Su madre, una mestiza de nombre Dolores Calero, dio a luz nueve niños más después de estrenarse con Oswaldo. La figura de su madre fue muy importante para el pintor y así se reconoce en las páginas de su Fundación:

Mi madre, mientras viva siempre te recuerdo

Oswaldo Guayasamín

 
 

Mi madre era una verdadera poesía, estaba siempre en gestación, tocaba la guitarra y cantaba a maravilla. Me enseñó los primeros acordes, las primeras voces. Recuerdo que de niño trataba de copiar un cielo rojizo, tormentoso. Seguramente no podía darle luminosidad y mi madre que entendía mi angustia, sacó en un platito de barro un poco de leche de su seno y me la dio, para ver si mezclando su esencia con mis colores, alcanzaba la luz. Mi madre era como el pan recién salido del horno. Me dió las dos vidas que tengo. Era y sigue siendo una tierna poesía.
Mientras viva siempre te recuerdo.

Guayasamín

De “El tiempo que me ha tocado vivir”

 

 

Pintó desde bien pequeño, a pesar de la oposición de su padre que no veía en la vena artística del hijo ningún porvenir y, después de seguir estudios en la Escuela de Bellas Artes de Quito consigue realizar su primera exposición con 23 años.

 

Sus obras no dejan indiferente a nadie y, recién salido de la Escuela, su forma de expresión escandaliza y asombra a partes iguales. 

 

Tuvo la fortuna de que el magnate norteamericano Nelson Rockefeller comprara varios de aquellos primeros cuadros y que le "apadrinara" para irse a Estados Unidos a seguir aprendiendo e investigando en la forma y la expresión que GUAYASAMÍN pretendía.

 

 

 

 

 

 

 

Sus cuadros buscan representar de una manera rasgada, impetuosa y fuerte temas como:

 

el indigenismo,

la brutalidad del ser humano hacia sus congéneres,

la ira,

las guerras siempre injustas,

los niños,

las madres

 y los originales y reconocibles retratos de personajes  internacionales famosos.

 

 

El ROSTRO HUMANO es una constante y una obsesión en la obra de GUAYASAMÍN

 

La personalidad y el espíritu del modelo los capta de una manera admirable.

 

No podemos hablar de retratos naturalistas, pero el parecido con el retratado es tan impresionante que cuesta imaginar que tardaba menos de media hora en realizar la mayoría de ellos.

 

Pero, volviendo al Castillo de Santa Catalina y a la exposición que se puede ver hasta enero, me gustaría destacar la serie LA EDAD DE LA IRA, de formato medio-grande que impacta al visitante y hace que éste aprecie el poder, la vehemencia y la pasión que exhalan las pinturas de GUAYASAMÍN.

 

Serie: La Ira. Colección: Reunión en el Pentágono

 

 

 

 

 

También podemos encontrar temas más amables, incluso aparentemente inocuos, pero dotados de una factura personal que el pintor ecuatoriano deja traslucir incluso en estas "flores muertas":

 

 

De esta exposición quiero destacar tres cuadros donde las MANOS escenifican sentimientos humanos de un modo contundente.

 

Las manos de la ira
Las manos de la ternura
Las manos del miedo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Al final de su vida, GUAYASAMÍN se centró en un proyecto que no vio concluido, pero que ahora es una realidad al amparo de su Fundación.

 

La capilla del Hombre, Quito (Ecuador)

 

 

Se trata de LA CAPILLA DEL HOMBRE. Un museo que reune una muestra de todas las culturas indígenas de los pueblos iberoamericanos, desde México a la Patagonia. Ubicado en Quito (Ecuador). En su interior brilla la llama eterna por los Derechos Humanos y la Paz. 

 

 

NOTA: excepto las fotos del Oswaldo Guayasamín y del edificio La Capilla del Hombre, el resto de las fotografías pertenecen a la autora de este blog. 

sábado, 20 de octubre de 2012

EGON SCHIELE: FUERZA EXPRESIVA.





 Egon Schiele
1890-1918: 28 años de vida artística muy productiva.  

28 años de vida personal marcada por la necesidad de expresarse con sus dibujos y pinturas.  

Quien hoy aquí se acuerda de él le descubrió en Viena, buscando a Klimt, y se enamoró para siempre de su fuerza expresiva.

Hasta el 6 de enero de 2013 podemos ver sus obras de la Sala Albertina de Viena en el Guggenheim de Bilbao.


Egon Leo Adolf Schiele nació en la estación de tren de Tulln, cerca de Viena, el doce de junio de 1890,  donde su padre era el Jefe del complejo ferroviario.

Marie Soukup
Fue el quinto hijo y único varón de la pareja formada por Adolf Schiele y Marie Soukup, la hija primogénita de un rico ingeniero ferroviario.

Su juventud se vio marcada por la prematura muerte del padre aquejado de delirios que le hicieron quemar las acciones patrimoniales de la familia y que le llevaban a agasajar a convidados imaginarios en la mesa familiar.

L. Czihaczek
Cuando falleció Adolf Schiele en 1905, Egon tuvo la suerte de contar con un padrino rico que le apoyó en sus inciciativas y estudios artísticos: Leopold Czihaczek.

Su madre no vio nunca con buenos ojos la dedicación de Egon al Arte y siempre le recriminó que no se ocupara de ella y de sus hermanas como lo habría hecho su padre.

Madre e hijo se distanciaron cuando ella enviudó y, a partir de entonces, dejaron de conectar hasta el matrimonio de Egon.

Su hijo la calificaba como “una persona curiosa”, mientras que ella siempre le consideró un “ególatra”.

Death and girl (man and girl), 1915
Schiele inicio sus estudios en la Academia de Las Artes de Viena, alojándose en la casa que su padrino tenía en Zirkusgasse, uno de los mejores barrios de Viena.

Village with mountains, 1907
Sus profesores llegaron a pedirle que no dijera que le habían dado clases, porque consideraron sus capacidades nulas para dominar el Arte Clásico que se enseñaba en la institución.

En 1909 abandona la Academia y se dedica a ser un autodidacta a la búsqueda de su propia y personal creación.

Three Girls, 1911
Sus primeras obras las marca el Impresionismo. 

Dos años antes de lanzarse al mundo artístico por su cuenta, Schiele había conocido a quien sería su amigo, el pintor modernista vienés más conocido de la Historia del Arte: Gustav Klimt.

Gustav Klimt por Schiele, 1911
Influido por él toma la decisión de presidir un grupo de nuevos pintores austríacos. Crea el NEUKINSTGRUPPE (grupo del nuevo arte) e inicia su faceta de pintor a tiempo completo.

Su tío ve en ello una actitud bohemia y deja de financiarle. De su amigo Klimt sólo le queda la amistad, puesto que Schiele ve en él una rémora del pasado en su nueva concepción pictórica.

Two proletarian children, 1910
Desde 1910, Schiele malvive de los ángulos marcados, la sexualidad y los contornos sinuosos de sus personales obras.

El dibujo, los trazos de sus cuadros son veloces.

Hay en los cuerpos que dibuja vacíos que el espectador tiene que llenar, colorea para destacar, no hay líneas rectas y destaca los órganos sexuales del hombre y de la mujer de una forma evidente y fuera de complejos.

Autorretrato, 1915
En la búsqueda de su identidad personal y pictórica llegó a retratarse a sí mismo unas cien veces.

Aparte de retratos de encargo que le servían para obtener ingresos, sus modelos preferidos resultaron ser las mujeres.

Gertie Schiele, 1909
En concreto, sus hermanas, principalmente Gerti. 

Y durante unos años su primera amante fija, Wally Neuzil, con quien convivió "en pecado" y sin temor al escándalo en sus malos tiempos.

Retrato de Wally Neuzil
En los últimos años de su vida, Edith, su esposa, fue la fiel, constante y trágica modelo y cuidadora.


El erotismo, el onanismo, la sexualidad sin cortapisas comprende una gran parte de la obra de Egon Schiele.

Totes Mädchen
No hay error ni hueco para la vergüenza o la mirada piadosa en sus guaches y acuarelas. Muestra lo que quiere mostrar y representa el acto sexual compartido o solitario sin ningún pudor. 

Su vida, que empezó entre algodones, fue derivando hacia la tragedia profesional y personal.

Sedentary female act with...
En 1912, la temática masturbatoria de sus óleos le llevó a una causa judicial por haber expuesto este tema considerado tabú en una sala pública.

Durante un mes ingresa en prisión y allí reflexiona sobre la censura y la incomprensión de la “buena sociedad” ante lo novedoso y lo libre.

Coutyard of a Forge
Piensa mucho en Vincent Van Gogh,  en cómo fue tratado en vida (sólo vendió un cuadro) tanto su obra como su persona. 

Se identifica con él y estudia su obra buscando seguir por el sendero que se ha marcado sin pensar en dejarlo por nada ni por nadie.



¿DE QUÉ VIVÍA EGON SCHIELE?


Retrato de los Benesc, 1913
Cuando su tío deja de financiarle, acude, aparte de dedicarse a los retratos por encargo, a la ayuda de “los conocidos”.

Pedía y le era dado, en grandes o pequeñas cantidades, dinero que administraba pésimamente, pero que le servía para ir tirando y no privarse de ir al teatro o coger un medio privado de transporte después de haber cenado en un restaurante de renombre.

Ms Beer, 1914
Ahora bien, administrarse era algo que le resultaba imposible, porque, según él, los encargos de sus obras se pagaban tarde y mal y como no podía contar con una fuente de ingresos continua, siempre acudía a la pena que daba entre sus amigos y colegas.

Sin embargo, de 1913 a 1916, SCHIELE sí conoció el triunfo y la buena vida asociados a su obra.

Conoció a la que convertiría en su esposa, Edith Harms, tuvo algunas buenas exposiciones en cuanto a ventas y fue llamado a filas (Iª Guerra Mundial) con la suerte de estar bajo el mando de militares afectos a las manifestaciones artísticas que le compraron y encargaron obras que sí le fueron satisfechas económica y personalmente.
Edith Harms, 1915

El matrimonio “de guerra” se celebró el 17 de junio de 1915 días antes de que Egon se incorporara a filas.

Edith viene de una familia burguesa convencional y entra en la vida de Egon sólo con la condición de que éste rompa con Wally (la compañera de los malos tiempos).

En todo lo demás  se adapta a una vida hasta entonces desconocida por ella.

Al principio viven juntos en los diferentes lugares a los que es destinado Egon durante la Guerra.

Sedentary couple squints (Egon y Edith), 1915
La bonanza y el matrimonio, así como las ganas de tener descendencia, hicieron que SCHIELE se centrara más y dejara de peregrinar de un estudio a otro.

Cuando es licenciado se trasladan a un pequeño estudio por el que llegan a pasar más de 150 modelos en un año. Esto molesta a su mujer porque no puede separar la vida cotidiana del trabajo de Egon y de presenciar cómo los cuerpos femeninos se exhiben sin pudor mientras su esposo los traslada al papel o al lienzo.

No obstante, Edith es la protagonista de los principales cuadros de Egon durante su breve matrimonio. Sólo le pone una condición, que su rostro no sea conocido en las representaciones de desnudos que su marido pinta de ella.

The family, 1918
Cuando Edith quedó embarazada, Egon decidió mudarse a una casa del barrio vienés de Hietzing donde pudieron separar el ambiente familiar del creativo.

Fruto de este periodo de feliz espera es una de sus obras más conocidas “La familia”, donde el niño se añadió cuando supo que Edith estaba embarazada.

No es un retrato sexual, aunque la pareja aparezca claramente desnuda, pero el niño está tapado con una manta que sirve también para ocultar el sexo de la madre.

Es una composición donde cada uno de los elementos denota su posición en la institución: la protección del hombre, la dulzura de la madre y la felicidad en el semblante del niño.


SU FIRMA

Dentro de su obra es curiosa su firma, otra obra de arte en sí misma.

Consta de su nombre, su apellido y el año en que crea su obra. Hasta ahí nada nuevo. Lo curioso es cómo la plasma, encajonándola.

Mujer tumbada con zapatillas

Es una especie de sello personal que marca cómo ha de verse el cuadro.

Algo muy significativo en el caso de “Mujer tumbada con zapatillas verdes”, por ejemplo, donde nos obliga a mirar la obra en vertical en lugar de la horizontalidad que parece pedir el título y la forma.






FINAL DESGRACIADO

En octubre de 1918, con la Guerra finalizada y en el sexto mes de embarazo, Edith cae enferma de gripe (la famosa gripe española) y muere en poco tiempo el 31 de ese mes.

Pareja
Egon contempla, a sus 28 años, cómo su momento vital se derrumba y, enfermo él también de gripe y desolado por la doble pérdida que acaba de sufrir, muere tres días después de Edith.

Es el triste y temprano final del digno sucesor de Klimt en el panorama austríaco y de uno de los más grandes artistas de la pintura europea de principios del siglo XX.

Su legado artístico es de entre 2.000 a 3.000 dibujos, guaches y acuarelas; del orden de 300 pinturas, 17 grabados y litografías…. 

Sus obras están muy repartidas en colecciones particulares,  pero las podemos encontrar en Viena (el Leopold es imprescindible, así como la Albertina) y Nueva York (MOMA).



EXPOSICIÓN EN EL GUGGENHEIM DE BILBAO

Desde el pasado 2 de octubre y hasta el día de Reyes de 2013, en el Museo Guggenheim de Bilbao podemos ver una interesante muestra de la obra de Schiele procedente de la Albertina de Viena.





NOTA: las obras que forman parte de esta entrada han sido extraídas de Internet, identificándose su procedencia cuando ha sido posible.